Isabelle Vialle     Accueil   |   Peintures    |   Bio   |   Articles   |   In situ   |   Contact      


Artension N°134 Novembre Decembre 2015

Artension

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Par Denys-Louis COLAUX, romancier et poète

Voilà une artiste reconnue et extrêmement complexe, secrète, enfouie et pourtant au gouvernail d’une œuvre hallucinante qui semble pourtant faire l’économie de tout ce qui éblouit. Son art semble consister en un curieusement accouchement du filigrane des choses, une venue au monde du caché, du tapi, l’avènement d’une épiphanie profane et fantastique, une étrange épiphanie comme légèrement atténuée, estompée par un très discret voile onirique. Le rêve est ici inséparable du cauchemar, le beau du laid, le figé du chorégraphique, l’élan du magma. L’œuvre ne crie pas, elle s’impose par une sorte de majesté terrible, l’œuvre s’établit dans la haute vocation de la monstruosité, le monstre étant ce qui est digne d’être montré, le monstre étant ce qui avertit, éclaire, inspire, le monstre pouvant figurer encore l’être de caractère surnaturel.
Il y a dans cet étonnant amalgame, - que la geste picturale rend néanmoins cohérent -, de fleurs et de végétaux humains étranges, inquiétants, vénéneux ou troublants une philosophie de la vie, une considération de l’espèce en retrait de toutes les dichotomies rudimentaires et de toutes les classifications triviales. L’artiste cherche, traque inlassablement l’être dans le temps, dans les livres, les légendes, dans les chemins de ses ambiguïtés et de ses déclinaisons successives, dans ses fantasmes, ses effrois, ses enfers, ses hantises. Mais elle mène sa traque en esthète, avec une qualité de geste qui séduit, une profondeur de trait, une manière d’une subtilité effarante, elle opère dans les sombres, dans des fonds nuit, avec des résurgences de bleuté, des gazes, des brumes, à l’écart de tous les aguichages chromatiques.
Vialle semble à la tête d’une formidable conjonction d’attributions : prophétesse du malheur et du destin problématique des êtres, visionnaire lovecraftienne, artiste du fantastique, poétesse du désastre, pythie hallucinée, chantre de la grâce blessée, annonciatrice du passé, des convulsions antédiluviennes conduites dans la giration de la terrible répétition, conteuse visuelle, brasseuse de mythes, tératologue esthète, spécimen inédit de frémissante humanité, elle est une sorte de formidable âme en ébullition projetant sur la toile, - avec une maîtrise rare, un sens exceptionnel de la nuance -, laves, vapeurs, fragments de nuit, formes crépusculaires, silhouettes nocturnes, merveilleux lambeaux de l’histoire convulsive et de la légende de l’être.
Dans ce fastueux spectacle macabre et visuel, on voit de vrais fantômes, des brouillards de marais, des fumées d’enfer, on croise les irrésistibles poèmes macabres de Baudelaire, les douloureux effrois de Howard Philip Lovecraft, la fumée délétère de certains ses mythes, on voit les pauvres et les miséreux de Dickens ou de Charles-Louis Philippe, on voit le drame terrible des déshérités de la terre et des gueux, les pleurs des damnés et les larmes du malheur, une crispante atmosphère d’apocalypse, l’intrusion sinueuse du surnaturel, le prophète Jérémie, la colère de Léon Bloy, la pensée antique, l’évolution hallucinée de l’espèce, l’imagier des contes mené au maximum de sa fièvre.
Plus encore, on admire dans l’œuvre cette rencontre assez inédite, hautement, puissamment troublante, entre l’horreur et le tendre, le délicat et l’effrayant, le corrompu et l’attendrissant, l’affreux et l’humain. Un talent exceptionnel accomplit la merveille de faire tenir tout cela dans une œuvre qui rayonne presque noir. Oui, s’il est vrai qu’une étoile a pleuré rose, voici une œuvre qui rayonne presque noir. Et ce presque cache un trésor d’humanité. Un frisson sublime. La forme la plus inattendue, et peut-être la plus bouleversante, de la compassion.
le blog de Denys-Louis Colaux

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Η Douve, αινιγματική γυναικεία μορφή της ποίησης του Yves Bonnefoy (που δημιούργησε ένα μυστήριο γύρω από το παράδοξο του ονόματος της - στα ελληνικά ο όρος αποδίδεται ως «τάφρος»), βρίσκεται στο επίκεντρο του εικαστικού σύμπαντος της  Isabelle Vialle ως πράξη δηλωτική γυναικείας παρουσίας. Το γυναικείο σώμα ξεπηδά πάνω στον καμβά με στόχο να φέρει στο προσκήνιο ένα παιχνίδι ανάμεσα στο είναι και το φαίνεσθαι. Διότι η Douve, παρά τη γοητευτική της φυσική παρουσία, τον απόμακρο αέρα και την επιβλητική θεατρικότητα της, φέρει πάνω της σημάδια ανεξίτηλα του παρελθόντος. Επώδυνες αναμνήσεις, τραυματικές εικόνες απώλειας και πένθους, υπαρξιακή αγωνία, αν και κεκαλυμμένα, είναι όλα εγγεγραμμένα βίαια πάνω στην ανθρώπινη σάρκα. Πέρα από κάθε ουτοπικό θαύμα ίασης, ταλαντεύεται ενσυνείδητα ανάμεσα στην κίνηση και την ακινησία. Γαντζώνεται, σχεδόν ριζώνει στο στέρεο έδαφος και είτε για παράδειγμα, διαρρηγνύει το ένδυμα που φέρει με μια κίνηση βίαιη και απότομη είτε το ανασηκώνει νωχελικά με τρόπο αέρινο, υποδηλώνοντας στην πρώτη περίπτωση έναν τοκετό, ενώ στην δεύτερη την απελευθέρωση από τα φαινόμενα.  Σε κάθε περίπτωση, η κίνηση αυτή της απογύμνωσης και έκθεσης του ατελούς της κορμιού, δεν αποτελεί πράξη πρόκλησης, διαμαρτυρίας ή μια κρίση σε στιγμή τρέλας. Ούτε είναι μια ακόμη μεταμόρφωση του εγώ ή άρνηση του παρελθόντος. Αντίθετα, αποτελεί   ώριμη  συνειδητοποίηση ζωής, γνώση τόσο του εφήμερου και εύθραυστου της σάρκας της, όσο και της βαθιά ριζωμένης από την εμπειρία εσωτερικής της δύναμης. Πρόκειται στην ουσία για την  «ανθρωπιά της γυναίκας, ωριμασμένη μέσα από τον πόνο», όπως αναφέρει ο Rainer Maria Rilke. Την ανθρωπιά που την ορίζει  ως «ολοκληρωμένη μορφή της ζωής και της ύπαρξης – η γυναίκα-γνήσιος άνθρωπος». Domna Chanoumidou

"Les Douves d'Isabelle Vialle et la femme dans sa véritable humanité" par Domna Chanoumidou
sur http://salon-litteraire.com

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"Isabelle Vialle, ses éblouissements charnels" par Ch.Noorbergen
sur la brev' aralya #27


Miroir de l'Art #61 supplément abonnés

Miroir de l'art

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Isabelle Vialle's paintings have met Yves Bonnefoy's poetry. Her "Douve" series (realized in 2014 during her stay in Greece) refers to the poetry collection, "Du mouvement et de l'immobilité de Douve." The beloved and gone woman invoked by the poet is a multifaceted and virtual creature somewhere between the presence and self-effacement. "Her dress has the colour of the absence of the dead" he said. Isabelle Vialle seized it like a fleeting shadow. The ultimate appearance of a fluid and magnificent finery is captured by the pictorial matter in a perfect harmony of sepulchral shades. Her solemn stillness is intertwined with the mysterious movements and represents an odd metamorphosis where the shade paradoxically relieves from the anxiety. The artist has drawn her inspiration from the light of the pluri centennial tree Greek olive-trees. She transformed their expressive structure to bring out their sumptuous adornments. Marianne Rillon gallerist

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(...)
Η Vialle έφερε με το έργο της ένα ερώτημα ουσίας, αν δηλαδή η εμπειρία μιας συναλλαγής με ένα κομμάτι του κόσμου, μπορεί να σχηματίσει και τη μορφή του χειρισμού άλλων κομματιών ή εμπειριών. Αν εν τέλει, αυτή είναι και η εμπειρική μεταφορά της διδασκαλίας, ως της ιστορίας. Ποια είναι τότε η σχέση της εμπειρίας με το στυλ; Τα συσσωρευμένα κεφάλια, σχεδόν ως κρανία άμορφα, αόριστα, τρομακτικά στην κυκλική, ή τη διαγώνια, ή την παραλληλόγραμμη ή την πυραμιδική ή την παραβολική τους διάταξη, εμφανίζονται να χρησιμοποιούν την αρχική εμπειρία από τους κορμούς και τις ρίζες ως το κίνητρο ενεργοποίησης άλλων εμπειριών. Κατά κάποιο τρόπο η καλλιτέχνης εργάζεται προκαλώντας εμπειρίες από τη διεύρυνση που αυτές θα ενισχύσουν για να τη θεμελιώσουν ιστορικά, ως την εφαρμογή της, σε άλλα αντικείμενα. Είναι ένα έργο του οποίου η ποιότητα της ζωγραφικής επεξεργασίας, η εκπληκτική τεχνική αρτιότητα και η απρόοπτη επιλογή του είδους των εμπειριών της κατασκευής του, συγκροτούν τα κατάλληλα εκείνα ερωτήματα που δεν αποβλέπουν σε λύσεις, αλλά και ούτε χρησιμοποιούνται ως λύσεις-, γίνονται ως ερωτήματα, το ίδιο  το έργο. 
Εμμανουήλ Μαυρομμάτης
Ομότιμος Καθηγητής του Αριστοτελείου Πανεπιστημίου Θεσσαλονίκης  


(...) Isabelle Vialle soulève avec son travail une question fondamentale, à savoir si l’expérience d’un dialogue avec un élément du monde, peut établir la forme d’une manipulation. Si finalement il s’agit d’un transfert empirique de l’enseignement, comme l’histoire. Quelle est alors la relation entre expérience et style ? L’expérience initiale des troncs et des racines comme un stimulus d’explorations et d’expériences jusqu’à son application à d’autres objets. Il s’agit d’une œuvre dont la qualité de peinture, la superbe intégrité technique et le choix inattendu d’une élaboration empirique, forment ces questions appropriées qui ne visent pas aux solutions, qui ne servent pas de solution non plus, mais qui deviennent, en tant qu’interrogations, l’œuvre elle-même.
Emmanuel Mavrommatis
Professeur émérite à l’Université Aristote de Thessalonique 
 

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… και να γυρεύεις λόγια ριζωμένα, σαν το πολύροζο λιόδεντρο….
Γιώργος Σεφέρης Θερινό Ηλιοστάσι

Αρχετυπικό σύμβολο ζωής, το δέντρο και ειδικότερα αυτό της ελιάς, αποτυπώνεται πάνω στον καμβά της Isabelle Vialle, ως ο κύριος θεματικός άξονας της απεικόνισης γύρω από τον οποίο δομεί στο εξής το εικονογραφικό της σύμπαν. Παραμένοντας πιστή σε όλα εκείνα τα εικαστικά γνωρίσματα που διέπουν το σύνολο του έργου της, όπως την έντονα χειρονομιακή γραφή, την μονοχρωματική της εμμονή στις επιλογές της παλέτας του φόντου, δουλεμένη άφοβα ώστε να δημιουργεί ένα οπτικό παιχνίδισμα ανάμεσα στη διαφάνεια και την αδιαφάνεια,  καθώς και τις πολυμορφικές φιγούρες που ενώ αρχικά λειτουργούν ως ο πυρήνας της εικόνας, στη συνέχεια ξεδιπλώνονται απροσδόκητα  ως δέσμες φωτός που ξεπηδούν από το κέντρο για να κατακλύσουν τον υπόλοιπο πίνακα και να διαμορφώσουν έτσι τον μηχανισμό της σύνθεσης, η καλλιτέχνης επιχειρεί να προσεγγίσει το νέο αντικείμενο αναπαράστασης υπονοώντας πλήθος συμβολικών συσχετισμών και προσδίδοντας στην εικονοποιία της μια αναμφίβολα ονειρική ατμοσφαιρικότητα.

Με αφορμή την περιήγησή της στον τόπο που την φιλοξενεί εδώ και ένα χρόνο, σε μια terra incognita για την ίδια, η Isabelle Vialle αφουγκράζεται με γνήσια καλλιτεχνική διαίσθηση το ελληνικό τοπίο και ειδικότερα τις εκτάσεις των ελαιόδεντρων, προσλαμβάνει εικόνες και ήχους της φύσης με γυναικεία ευαισθησία συλλέγοντας φωτογραφικό υλικό και με όχημα το βαθιά ποιητικό εικαστικό της ιδίωμα διαμορφώνει τις ζωγραφικές της συνθέσεις ως μια αλληλουχία μεταμορφώσεων ενός και μόνο ιερού συμβόλου. Κορμοί δέντρων, πολυσχιδείς και σχεδόν ανάγλυφοι, ογκώδη, πολύπτυχα μορφώματα με διακλαδώσεις απογυμνωμένες από κάθε είδους φύλλωμα και δαιδαλώδη συμπλέγματα ριζών  ξεπροβάλλουν μπροστά στο θεατή αποκομμένα εντελώς από το φυσικό τους περιβάλλον, δίνοντας την αίσθηση ότι στέκουν μετέωρα πάνω στο μουσαμά ή το χαρτί, σχεδόν αναδυόμενα μέσα από τα βάθη ενός χρόνου αρχέγονου. Και σε κάθε ματιά του μεταλλάσσονται αδιάκοπα. Άλλοτε αποκτούν κίνηση ρυθμική, ταλαντεύονται, δονούνται, λικνίζονται, ερωτοτροπούν, άλλοτε αποκτούν φωνή, ουρλιάζουν, τραγουδούν, συνομιλούν, σιγοψιθυρίζουν, λογομαχούν, ενώ πάντα φέρουν μορφολογικά χαρακτηριστικά ανθρώπων ή ζώων,  με ευδιάκριτα πολλές φορές ανατομικά γνωρίσματα φύλου. Με λίγα λόγια, η ζωγράφος μακριά από κάθε προσπάθεια να υποτάξει, να «δαμάσει» πάνω στον καμβά το απεικονιστικό της αντικείμενο, χαρίζει χυμούς ζωής στη σάρκα, εμφυσά πνοή, και κατά συνέπεια ψυχή στην ύλη, καθιστώντας το έμψυχο, δρών υποκείμενο και ταυτόχρονα το απόλυτο σημείο αναφοράς μιας νέας προσωπικής σημειολoγίας.

Και είναι ακριβώς αυτή η ζώσα ύλη που εικονοποιείται, που κάνει τις συμβατικές έννοιες του χώρου και του χρόνου να καταργούνται αυτόματα, ενώ κάθε προσπάθεια έλλογης νοηματοδότησής τους καθίσταται αδύνατη σε επίπεδο συγχρονίας. Διότι ο χωροχρόνος, με την μπαχτινική έννοια του όρου, του εικαστικού κόσμου της καλλιτέχνιδας μοιάζει να πάλλεται, να συστέλλεται και διαστέλλεται διαρκώς. Απεγκλωβίζεται από τα στείρα δεσμά του «εδώ και τώρα», και νοηματοδοτείται αποκλειστικά και μόνο δια μέσου της φωνής, της ψυχής των δέντρων. Κι αν, όπως επισημαίνει ο Gaston Bachelard, «η ποίηση [με την έννοια της δημιουργίας εκ του μηδενός] είναι μια ψυχή που εγκαινιάζει μια μορφή», τότε κάθε χιλιόχρονος ρόζος του κορμού αποτελεί ταυτόχρονα και το ανεξίτηλο στον χρόνο, αν και επίκτητο εξαιτίας του σημάδι, την  ουλή ενός κορμιού, που φέρει εντός του το φορτίο της μνήμης και του συναισθήματος, της απώλειας και του πόνου, του θανάτου και της αναγέννησης. Κάθε απόληξη του πολύπλοκου ριζώματός του, αποτελεί και το μέσο που το καθιστά ουσιαστικά φωτοτροπικό και δεκτικό στο φωτεινό ερέθισμα και συνδέει αδιάρρηκτα τη μήτρα-γη με τον ουρανό-υποδοχέα, την ύλη με το πνεύμα, το παρελθόν με το μέλλον, το σκοτάδι με το φως. Εν τέλει, το θάνατο με τη ζωή. Αναμφίβολα, οι κορμοί-κορμιά της Isabelle Vialle εξέρχονται στην επιφάνεια ως μια κοσμογονία που συντελείται εκφέροντας «λόγο ριζωμένο», σε χώρο και χρόνο οικουμενικό και άρα διαχρονικό, όπου «τίποτα δεν είναι απολύτως νεκρό [άλλα όπου] κάθε νόημα θα έχει την πανηγυρική επιστροφή του». Σε αυτό των Ελ-αιώνων.
Δόμνα Χανουμίδου
Τεχνοκριτικός-Θεωρητικόςτηςτέχνης


Symbole archétypal de vie, l’arbre et surtout l’olivier, se dévoile sur la toile d’Isabelle Vialle, autour de la thématique qui construit désormais son univers pictural. Fidèle à toutes les caractéristiques techniques qui n’ont jamais cessé de régir l’ensemble de son œuvre, comme son écriture gestuelle intense, sa persistance monochromatique qui créé un jeu d'opacité et de transparence, ainsi que ses figures polymorphiques, qui même si à première vue fonctionnent comme le noyau de l’image, se déploient de façon inattendue, comme des faisceaux lumineux qui surgissent du centre pour envahir le reste de la toile et former ainsi la composition, avec ce thème l’artiste suggère des corrélations symboliques tout en l’investissant d’une sensation onirique.
Ayant comme point de départ sa pérégrination dans le lieu qu’il l’a accueilli il y a un an, dans sa propre "terra incognita", Isabelle Vialle perçoit avec une intuition purement artistique le paysage grec et spécialement les champs des oliviers, elle conçoit les images et les sons de la nature qu’elle regroupe en instantanés photographiques avec une sensibilité féminine, avec son langage poétique compose une série de métamorphoses comme un symbole sacré. Des troncs, des arbres, multiples et presque en relief, des formes massives volumineuses et noueuses avec des ramifications dépourvues de tout feuillage et des dédales complexes de racines se dévoilent sous les yeux du spectateur, privés de leur environnement naturel, comme s’ils étaient suspendus sur la toile ou le papier, émergent presque d’un temps primitif. Et ils subissent une mutation sous le regard du spectateur. Sans cesse. Parfois, ils sont dotés de mouvements rythmiques, oscillants, vibrants, palpitants, dansants, érotiques, parfois ils sont dotés de voix, et hurlent, chantent, parlent, chuchotent, disputent, portés par leurs caractéristiques morphologiques humaines ou animales, souvent sexués. En d’autres mots, l’artiste loin de tout effort d’assujettir sur la toile son objet, offre des essences de vie à la chair, donne du souffle, et donc de l’âme à la matière, en la constituant en sujet vivant, agissant, et en même temps un repère absolu de sa sémiologie personnelle.
Et c’est exactement cette matière vivante mise en scène qui fait abolir toute notion conventionnelle de temps et d’espace, alors que tout effort de leur concrétisation logique est impossible sur le niveau synchronique. Car, l’espace-temps de l’univers pictural de l’artiste, dans le sens bakhtinien du terme, semble être palpitant, se contractant et se dilatant sans cesse. Il se libère des contraintes stériles "d’ici et maintenant" et prend sens seulement à travers la voix, à travers l’âme des arbres.
Et si, comme le dit Gaston Bachelard, « la poésie [au sens de la création ex nihilo du terme] est une âme inaugurant une forme », tout nœud séculaire du tronc, constitue à la fois la trace du temps ineffaçable, inhérent à lui, la cicatrice d’un corps, chargé du poids de la mémoire et de l’émotion, de la perte et de la douleur, de la mort et de la renaissance. Tout aboutissement de son propre rhizome devient la substance qui le rend phototropique, et donc accueillant à la lumière, et connecte indissolublement la terre-matrice au ciel-récepteur, la matière à l’esprit, le passé à l’avenir, les ténèbres à la lumière. Enfin, la mort à la vie.
Sans aucun doute, les troncs-corps d’Isabelle Vialle surgissent à la surface comme une cosmogonie, en énonçant des paroles enracinées, dans un espace-temps universel et donc diachronique, « où rien n’est tout à fait mort, [mais où] tout sens aura son retour festif ». Dans celui des champs des oliviers éternels.

Domna Chanoumidou - curator

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"Isabelle knows how to distill and to instill both the poison and its antidote, rage and gentleness, enthusiasm plus withdrawal , abandonment without renunciation. Her characters abuse themselves , grieve for all ills but it is only Love that overflows. It could be modesty without awkwardness to say how much we love each other, how the other is important.
Isabelle weaves a web but does is not trapped, she digs passages and removes the borders of hate, denial or disregard of the others to open with generous attention, as many windows on a world of Eros and Thanatos - for better or for worse!
With her nimble fingers and a compelling force, Isabelle revives them... it seems a little in spite of herself. Without warning, all these ghosts arise from the past, a past in the present tense, a love on edge in a moult pours which spreads on canvas. The canvas became the receptacle of these skins and men, the epidermis mottled by time, granular and ghostly carcasses who "devour belly " in the ardor of feelings that attempt to reconstruct and consolidate a long embrace, unfinished and sustainable "
By Béatrice Duhamel
gallerist


Isabelle sait distiller et instiller à la fois le poison et son antidote, la rage et la douceur, la fougue et le repli, l’abandon sans renoncement. Ses personnages se violentent, s’affligent de tous les maux, mais ce ne sont que des débordements d’Amour, ce pourrait être une pudeur, sans maladresse, pour se dire combien on s’aime, combien l’Autre est important.
Isabelle tisse une toile mais n’emprisonne pas, elle creuse des passages, pulvérise les frontières de la haine, du déni ou du dédain de l’Autre, pour ouvrir avec toute sa généreuse attention, autant de fenêtres sur un monde où Eros et Thanatos sont convoqués, pour le pire, comme le meilleur.
De ses doigts de fée et avec une force convaincante, Isabelle les ravivent… paraît-il un peu malgré elle. De façon irrépressible, tous ces fantômes surgissent du passé, d’un passé conjugué au présent, d’un amour à fleur de peau dans une mue qui s’épanche, se répand sur la toile, une toile devenue le réceptacle de ces Peaux d’Hommes, aux épidermes tavelés par le temps, de carcasses granuleuses et fantomatiques qui « se ventre-dévorent » dans la fougue de sentiments qui s’élident, s'atomisent, se reconstruisent, se consolident, dans l'inachevé d'une perpétuelle étreinte"
Béatrice Duhamel
galeriste


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Miroir de l'art - # 36
par Ludovic Duhamel


(...) La peinture d’Isabelle Vialle creuse jusque dans le cœur des êtres pour y déterrer ce que le temps y a soigneusement enfoui, cherche à retrouver le chemin d’une mémoire perdue… Pour reprendre le titre de l’un de ses tableaux, son œuvre est un peu celle des dommages collatéraux, de ce qui n’aurait pas dû advenir mais qui, par ricochet assassin, a tout anéanti, pulvérisant des vies, de l’intérieur. C’est une peinture qui décrit au fond le résultat de l’effrayant mécanisme qui gouverne le monde. Au moment où nous entrons dans la toile, le mal est déjà fait, Isabelle Vialle nous en montre les conséquences, la trame grise du destin.
Il n’en demeure pas moins que la beauté plastique de cette horreur rentrée saute aux yeux. Le ténébreux n’est pas le moins fascinant, et derrière les plus grandes tragédies se cachent souvent des grandeurs d’âme dont le souvenir permet aux survivants des siècles suivants de nourrir l’espoir nécessaire à toute reconstruction. Et Enée portant Anchise, son père, s’en va créer loin de Troie, loin de la guerre, les bases d’une nouvelle civilisation.

Miroir de l'Art


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Les toiles d’Isabelle Vialle semblent vouloir garder un secret. Il faut la lumière pour pénétrer les liants, traverser les couches de pigments et arriver à en comprendre la profondeur. Il faut nager dans les toiles entre les nappes de couleur pour apercevoir les notes subtiles des verts de gris, les noirs qui ne sont jamais trop sombres. Bien sûr, les sujets semblent se débattre contre un sort qu’on devine peu enviable mais jamais, lorsque ces visages ou ces corps semblent trop entassés, trop prêts de s’entre-dévorer, la violence n’est excessive, démonstrative. Nous sommes dans le champ de l’humain et dans le sillon d’une belle peinture. Isabelle Vialle est une artiste lumineuse qui fait son chemin dans un monde obscur.
Fred Noiret - Galerie Espace EQART, Marciac

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Miroir de l'art - "100 artistes d'aujourd'hui"
par Ludovic Duhamel


Isabelle Vialle exprime en ombres et en lumières les sourdes angoisses de la condition humaine. Sur la toile, les personnages émergent d'une brume impalpable, livrés à un sort contraire qui finira par les enfouir au plus profond de l'oubli. Une oeuvre forte, à la puissance d'évocation peu commune.
Miroir de l'Art

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Miroir de l'Art # 23 mars 2011 Par Benoit Ladune
Isabelle Vialle est de la famille des acharnés, celle des grands veilleurs de chair. Il y eut naguère Zoran Music, Paul Rebeyrolle, et Stani Nitkowski, Il y a aujourd’hui Lydie Arickx, Olivier de Sagazan, Fabien Claude, Gérard Alary ou Jean Kiras » écrit Christian Noorbergen, et l’on pourrait ajouter quelques noms à cette liste regroupant en vérité celles et ceux qui travaillent sur ce qu’il est convenu d’appeler la défiguration, une forme de l’expressionnisme, mouvement qui révèle ces derniers temps de bien belles oeuvres. Cette peinture plonge au cœur de la chair en d’étourdissantes volutes d’ombres et de clartés desquelles émergent des corps, des mains, des crânes. On ne sort pas indemne de la confrontation, l’œuvre ne joue pas à représenter je ne sais quelles névroses, quels tourments, quels délires, l’œuvre frémit d’une vie qui vous glace en même temps qu’elle vous happe. Au cœur de celle-ci évoluent des êtres indistincts dont on perçoit peu de choses, des formes irréelles à l’apparence désolée, aux contours estompés. Certains verront dans ces personnages aux mains crochus des êtres qui seraient au paroxysme du désespoir, quelque chose qui rappellerait au fond le fameux Ugolin et ses enfants, de Rodin (ou celui de Carpeaux). Mais il serait hasardeux de s’en tenir à une telle interprétation, de ne voir dans ces peintures que la manifestation d’une tragédie immanente et implacable. La peinture d’Isabelle Vialle montre sans retenue la vie, et non la mort. De la vie elle met en avant l’infinie fragilité. Ses personnages sont comme des funambules se balançant au-dessus du vide. La traversée est périlleuse. Il est difficile de garder son sang-froid, de grader visage impassible face à l’adversité. L’artiste prend acte de ces moments de faiblesse, mais, en représentant ses personnages en couple ou en groupe, insiste parallèlement sur la solidarité des corps et des attitudes. C’est un regard compassionnel avant tout.


Isabelle Vialle, veilleuse de chair Par Ch Noorbergen
Isabelle Vialle est de la famille des acharnés, celle des grands veilleurs de chair. Il y eut naguère Zoran Music, Paul Rebeyrolle, et Stani Nitkowski, Il y a aujourd’hui Lydie Arickx, Olivier de Sagazan, Fabien Claude, Gérard Alary ou Jean Kiras.
Peut-être la veine la plus vive, et la plus dure, et la plus crue de la création. Art de hauts risques, où la peinture sait brûler ses surfaces, et saccager l’usure des apparences. Chez Isabelle Vialle, comme arrachée au dedans, la peau couvre la toile de pigments en lambeaux, et de graves gestes acérés, gravement blessés, creusent dans le hors-temps de l’art, l’éternelle présence de la mort, et les instants miraculeux de la vie.
Les creux du corps s’ouvrent à tous les dehors, et le cycle vital de ce qui surgit et disparaît vibre au profond de la toile. En lieu d’insondable création, le paysage humain est ici sans fond, et le corps vrillé coule de l’infini du haut vers l’infini du bas. Corps éphémère, passerelle entre deux infinis.
L’espace est vertical, il pleut du sang, de la vie, et de la nuit. Le corps peint, vêtu de signes et de traces, épouse à vif les nœuds furieux de l’univers. Indistingués et fluides, nés d’avant la sommaire distinction d’origine, les corps éblouis d'Isabelle Vialle gardent le plus lointain contact avec la trame la plus intime et la plus enfouie de ce qui unit la terre vivante à la boue charnelle. Chez elle, on passe sans le savoir du corps au vide, et de la peau vive aux ténèbres. Tout fait passage, le corps est une âpre voie vers l’ailleurs des mots, vers les interdits brûlants de l’extase et de l’agonie.
L’œil est un trou d’opacité dans la nuit de l’univers, le corps innombrable est la blessure même de l’humanité, et ses douleurs arrachent la peau du monde. Acculée d’horreur et de beautés fragiles, l’artiste révèle le sublime du corps uni et séparé.
Les silhouettes enfiévrées d’Isabelle Vialle, et leurs doubles en échos, épousent au secret du temps les implacables confins du corps. Inextricable de l’art  et de l’amour.
Peinture de haute tenue, fatale et cruelle.


Désir natif par Pascale Morel, peintre
Regarder une peinture d’Isabelle Vialle, c’est accepter ce qui ne se donne pas d’emblée. Elle parle de l’intérieur. Ni miroir ni fabrique d’illusion ou d’image, elle se déploie à notre insu, dans l’écho de notre désir. Cette radiographie de l’humain est une fantastique lutte pour l’incarnation, celle du pur désir dans laquelle la peinture plonge l’artiste. Reprendre à zéro, travailler à rebours, le "beau" en écho à la mort, sans laquelle aucune profondeur ne résiste, cet acharnement à la vie qui hurle sa force dans le corps qui accepte, enfin, comme après l’amour, la "petite" mort. La relation à l’autre est très présente, mise en scène de l’indicible, tout ce qui manque de mots dans la vie se déploie dans la matière, le trait, jusqu’au paroxysme, présence forte et tant fragile , de l’enfant en phase avec sa sensualité et sa violence, primitive et évoluée chez l’artiste qui apprivoise et développe l’universel. Personne n’est indifférent.
Ce travail n’est pas d’un morbide desséchant, c’est au contraire l’écho d’une lutte inouïe pour la vie qui s’accomplit. On sent cette connivence des maîtres penchés sur son travail (Rembrandt, Goya, Gréco, Rebeyrolle).
La conquête d’Isabelle Vialle est de perpétuer un langage séculaire, nourri des Anciens et de projeter à la face du monde contemporain cette force inaltérable de la Peinture, sans concession.
Que dire de la profondeur insondable dans laquelle nous plongeons avec délice?
Elle nous accompagne pour franchir ce seuil, moins seuls.
Son travail, est au service de cette intimité dans laquelle elle nous convie : et la technique suit cette colonne vertébrale : pas de glacis ou surface circonscrits, pas de contours entièrement déterminés, pas de couleurs qui égarent dans la séduction; tout est peinture, en profondeur.
Le champ de la découverte nous appartient, la toile n’est pas bornée, elle nous offre cet univers déployé qui nourrit l’être : chaque jour, j’y découvre une dimension mystérieuse inexplorée de l’humain, dans la lumière et l’obscur qui nous habitent.


Les Affiches de Normandie - Actualités des Arts 24-09-2008
Travaillant sur le corps humain confronté à la menace du temps et de la destruction, cette artiste sans concession nous livre une œuvre offensive et nerveuse, convulsive et charnelle. Surgie du magma convulsif de la chair, la peinture d'Isabelle Vialle n'est pas du genre à se complaire dans la fadeur décorative. C'est un art de combat, d'affirmation tragique face aux forces de destruction minant le visage de la vie. «Chez elle, on passe sans le savoir du corps au vide, et de la peau vive aux ténèbres» écrit à son propos Christian Noorbergen. Ce commentaire nous fait entrer de plain pied dans le vif même du sujet. Isabelle Vialle triture le corps humain jusqu'en ses ultimes retranchements comme s'il s'agissait de lui faire avouer un secret bien gardé. Peut-on rester indifférent à cette masse de chair rageuse, envahissante et parcourue de soubresauts? Quelque chose de crucial semble se jouer sous nos yeux. Nous voici confrontés aux limites du descrip-tible, à deux pas de l'indéchiffrable. A peine identifiable, cette masse charnelle s'obstine, jusqu'au «moment crépusculaire» où tout s'éteint, où la vie se retire, prête à se réinvestir ailleurs. Pas étonnant que le thème de la crucifixion réapparaisse, mais sans décorum religieux, dans cette quête effrénée de parole et de vérité. Dire l'être, ses angoisses, les ravages qui le taraudent n'est pas une œuvre de tout repos. Le cri muet de cette peinture serait-il donc un signe des temps qui s'acharnent à dissimuler la fragilité de la vie? Le geste est là, nerveux, qui refuse d'abdiquer, de se soumettre aux forces dévastatrices. La matière picturale, qui est soumise à plusieurs temps d'intervention, rend le sujet hallucinant, fantomatique, terrible. Les visages, quand ils se laissent cerner, sont graves ; les corps creusés comme de vieux troncs rongés et affaiblis, en retrait de toute velléité d'action. Les pièces du second étage sont un peu plus «figuratives», accentuant du même coup l'effet dramatique de chaque scène. Difficile, de ne pas penser au bœuf écorché de Rembrandt face à cette chair humaine souffrante (Descente). Etres exténués, défaits ou en sursis, dépouille que l'on transporte, sans autre gloire que celle des larmes. Isabelle Vialle peint l'incessante métamorphose de l'Homme.